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Verbundene Sinne: Einige wahrgenommene Bilder
connected senses: some images perceived

A-Young Kim

Die Künstlerin Naehoon Huh beginnt ihre Arbeit in dieser Ausstellung mit der Behauptung: “Die Augen sehen nicht so, wie sie sehen sollen, sondern so, wie sie sehen wollen.” Diese Aussage bezieht sich auf die wahrgenommenen Wahrnehmungsgrenzen, die in unseren eigenen Erfahrungen und Vorurteilen verankert sind. Um dies zu demonstrieren, sammelt die Künstlerin Materialien aus dem Alltag, die er direkt erlebt und aufzeichnet, um dann diese gesammelten Informationen auf verschiedene Weisen, wie Skulpturen, Installationen und Videos, zu verarbeiten. Der Künstler isoliert bestimmte Aspekte der gesammelten Objekte im visuellen, akustischen und taktilen Sinn und präsentiert sie in neuen Formen. Anstatt Objekte zusammenzufügen, schafft diese Arbeitsweise neue Gegenstände mit unerwarteten Eigenschaften, indem sie sie zerlegt. Die Künstlerin untersucht die Beziehung zwischen “Ich”, “Wir” und “Struktur” und zeigt dabei die Verdichtung und Überlagerung der Zeit, die Verbindung von Innen und Außen sowie die Umkehrung von Vorurteilen.

“Einblick hindurchsehen” (2018) zeigt dem Betrachter, der durch ein installiertes Fernrohr nach draußen schauen möchte, unerwartete Szenen. Das durch das Beobachtungsloch sichtbare Objekt ist ein Echtzeit-Bild, das von einer Kamera aufgenommen wird, und konfrontiert den Betrachter mit einem Teil seines eigenen Körpers, den er selbst nicht sehen konnte. Dieses Fernrohr, ein aufgegriffenes Objekt, verwendet die äußere Form, entfernt jedoch die ursprüngliche Funktion und präsentiert überraschende Szenen, die das Denken verändern. Der Versuch, Vorurteile über die Beziehung zwischen der Funktion und dem Erscheinungsbild von Objekten und der Art und Weise, wie sie wahrgenommen werden, herauszufordern, wirft direkt Fragen auf, die mit dem Akt des “Sehens” verbunden sind.

“<36-37°>” (2023) ist ein Werk, das so gestaltet ist, dass es die Körpertemperatur des Menschen, die zwischen 36 und 37 Grad Celsius liegt, nachempfindet. Die Oberfläche der kreisförmigen Struktur ist mit Heizdrähten versehen, so dass sie eine ähnliche Wärme wie die Körpertemperatur spüren kann, wenn man sie berührt. Die Künstlerin stellt Fragen, ob unser Gehirn Dinge so sieht, wie sie tatsächlich sind, oder wie es sich vorstellt, und entwirft Skulpturen, die nicht sichtbare Dinge sichtbar machen sollen. Diese Skulptur erzeugt eine angespannte Atmosphäre und visualisiert relative Zeit und Unsichtbares. Der passive Standpunkt des Künstlers und des Betrachters im Raum erlaubt es ihnen, Zeit, Bewegung und Interaktion zwischen Menschen aus der Perspektive des Beobachters zu erleben. Huh lenkt die Aufmerksamkeit auf die Tatsache, dass dieselbe Sache, wenn sie auf verschiedene Arten betrachtet wird, immer als dasselbe Bild wahrgenommen wird, und regt so zur Überlegung der kognitiven Grenzen des Menschen an. Was der Künstler vorschlägt, ist die Umgebung, in der Menschen, die die von ihm gesammelten und neu definierten Objekte sehen, sie durch Assoziationen, Empfindungen und Berührungen wahrnehmen und erkennen.

“Ein nahes Gesicht des Künstlers” (2020) präsentiert ein abstraktes Bild, das an Blut erinnert und aus mehrschichtigen roten Flächen besteht. Die Grenzen in diesem Bild werden durch von Naehoon Huh vorgebohrte Löcher festgelegt, die in regelmäßigen Abständen angebracht sind und mit einer Nahansichts-Filmtechnik aufgenommen wurden. Der Versuch, kleine Details zu vergrößern und gemeinsam zu zeigen, basiert auf der Erforschung der visuellen Kommunikation und des Sehens in der bildenden Kunst und visualisiert diese Prinzipien.

“Unkünstlich und künstlich” (2021) ist ein Foto, das auf den ersten Blick wie ein Raum mit verschiedenen Pflanztöpfen aussieht, aber bei näherer Betrachtung zeigt, dass lebende Pflanzen und künstliche Pflanzen in einer Szene zusammen existieren. Sie zeigt eine Szene, in der reale und aufgenommene Pflanzen miteinander vermischt sind und sich als ein Bild präsentieren, das in der Realität nicht existiert. Huh betont, dass, selbst wenn ein und dasselbe Objekt auf verschiedene Arten betrachtet wird, es immer als dasselbe Bild wahrgenommen wird, und fordert so die kognitiven Grenzen heraus.

Die Künstlerin Huh untersucht das menschliche Wesen als Thema und versucht, persönliche Erfahrungen und Emotionen zu teilen und zu kommunizieren. Seine Werke isolieren und abstrahieren bestimmte Teile des Körpers und drücken Formen, Farben, Texturen und Berührungsempfindungen aus. Diese körperlichen Erfahrungen und Emotionen versuchen, sich über individuelle Erfahrungen hinaus auszudehnen. Basierend auf Recherchen erweitert er seine Vorstellungskraft, nutzt Prinzipien aus der Wissenschaft und erforscht Informationen, um die Eigenschaften von Skulpturen in Rauminstallationen, Performances, Videos und anderen Medien auszudrücken. Rauminstallationen, die die Eigenschaften verschiedener Materialien nutzen, bieten ein sensorisches Erlebnis, das die Zeit widerspiegelt und die Ausdrucksmöglichkeiten erweitert. Die Künstlerin verwendet ihren Sinn und ihre Ausdrucksmöglichkeiten, um zufällige Elemente in die Form zu bringen und dem Betrachter eine weitere Dimension des Werks zu zeigen. Die Anhäufung von Zeit und das Unbekannte in Naehoon Huh’s Werken bieten neue visuelle Reize. Seine einzigartige Form und Darstellung entspringt der Ernsthaftigkeit und Sorgfalt, die er in ihre Arbeit investiert hat, und resultiert aus einer Transformation des Verständnisses, die sie selbst erlangt und zerlegt hat.

연결된 감각: 지각된 일부의 이미지
connected senses: some images perceived

김아영

이번 전시에서 허내훈 작가는 “눈은 보이는 대로 보는 것이 아니라 보고 싶은대로 본다”라는, 우리 안에 내재한 경험과 고정관념이라는 인식에 갇힌 지각적 한계를 표현하는 명제에서 출발한다. 이를 위해 직접 경험하고 마주한 일상의 소재들을 수집하고 기록하며 이 축적된 자료를 가지고 조각, 설치, 영상 등의 다양한 방식으로 작업을 풀어낸다. 작가는 수집한 대상을 시각, 청각, 촉각 등 인지감각의 부분을 특정하고 이를 새로운 형상으로 재해석한 작품을 제시한다. 익숙한 요소를 새롭고 낯설게 하는 이러한 작업 방식은 사물을 조립하는 것이 아니라 해체해서 의외성을 지닌 새로운 대상으로 창조한다. 작가는 ‘나’와 ‘우리’ 그리고 ‘구조’의 관계를 탐구하여, 시간의 응축과 교차, 안과 밖이라는 공간의 접합, 고정관념의 전환 등을 드러낸다.

<들여다보다 hindurchsehen>(2018)는 설치된 망원경으로 외부 대상을 관찰하고자 하는 관객에게 예측하지 못한 새로운 장면을 보여준다. 관측 구멍을 통해 보이는 대상은 카메라로 실시간 촬영된 화면으로, 스스로 볼 수 없었던 관람자의 신체의 한 부분을 대면하게 한다. 이 망원경은 버려진 것을 습득한 오브제로, 외형을 활용하지만 원기능을 제거하고 의외의 장면을 제시함으로써 사고를 전환시킨다. 사물의 기능과 형태 그리고 이를 인식하는 개념 사이의 관계를 바탕으로 기존질서와 체계에 대한 고정관념을 비트는 시도로, ‘본다’는 행위에 담긴 여러 가지 질문들을 직접적으로 던진다.

<36-37°>(2023)는 사람의 체온인 36-37°를 유지하도록 설계된 작품이다. 열선이 들어간 원형 구조 표면에 손을 대면 체온과 유사한 따스함을 느낄 수 있도록 고안되었다. 작가는 “눈에 보이는대로 보는 것이 아니라 뇌가 그리는대로 본다”는 점을 기저에 두고 보고 있다고 믿는 것에 대한 의문을 던지며 작업을 진행한다. 보이지 않는 것을 시각화하기 위해 만져야 느낄 수 있는 조각을 고안하였다. 팽팽한 긴장감을 유발하며 상대적 시간과 보이지 않는 것을 시각화한다. 수동적인 위치에 놓인 작가와 관람객은 관찰자의 입장에서 시간, 움직임, 사람과 상호작용한다. 작가는 동일한 대상을 각기 다양한 방식으로 보더라도 모두 동일한 이미지를 가진 대상으로 인식되는 것에 주목하면서 인간의 인지적 한계를 사유하게 한다. 작가가 제시하고자 하는 점은 작가의 감각으로 수집해 재정의된 대상을 보는 사람이 자신의 경험적인 시각적 이미지와 연상되는 심상과 촉각 등의 상호작용으로 자각하고 인지하는 환경이다.

작가의 얼굴을 근접촬영한 (2020)은 피를 연상시키는 붉은빛을 띈 다층의 색면으로 이루어진 추상적 화면을 제시한다. 여기서 구획을 나누는 기준은 작가가 일정간격으로 구멍을 뚫어 표시한 마스크로, 얼굴 크로즈업 휴대용 촬영기법으로 붉은색의 총합인 하나의 사진으로 제작해 보여준다. 매체실험에 집중해 작은 걸 크게 확대해 집합적으로 보여주는 시도는 시각예술을 토대로 한 소통과 보는 방식을 탐구하여, 이를 시각화한다.

<인공적이지 않은 그리고 인공적인 Nicht künstlich und künstlich>(2021)은 얼핏 보기엔 다양한 식물 화분이 놓인 공간의 부분을 촬영한 사진으로 보이지만 가까이 다가가 관찰하면 이미지 안에 살아있는 식물과 인조 식물이 혼재되어 한 곳에 놓여있는 것을 발견하게 된다. 인조 식물과 실재 식물을 설치한 후 한 장면으로 제시해 실재로 존재하지 않지만 찍힌 식물과 그 차이를 인식하게 한다. 하나의 물체를 다양한 방식으로 보더라도, 모두 동일한 이미지를 가진 대상으로 인식됨을 강조하면서, 인지적 한계를 제시한다.

작가는 사적 경험과 감정을 공유하고 소통하는 것에 주목한 인체를 주제로 한 작업을 시도했다. 신체의 일부분을 특정하고 추상화한 작품은 다양한 매체를 활용하여 그것이 지닌 형태와 색감, 질감, 촉감 등을 표현한다. 이러한 신체적인 경험과 감정은 개인적인 경험과 감정으로 확장된 소통을 시도한다. 또한 리서치를 바탕으로 상상력의 확장, 과학에서 원리를 가져오고 탐구한 정보에서 조각의 물성을 활용, 공간설치, 퍼포먼스, 영상 등으로 표현해 조각의 개념에 대한 확장과 재인식을 보여준다. 다양한 재료의 물성을 활용한 공간설치는 시간의 흐름을 담고 표현력을 배가시키는 감각적인 경험을 제공한다. 무작위적인 요소들을 조형으로 수렴해 내는 작가의 감각과 표현은 시간이 담긴 조각의 또 다른 묘미를 십분 느끼게 한다. 작가가 제시한 시간의 축적과 낯섦과 의외성은 새로운 시각적 자극으로 다가온다. 익숙한 것을 낯선 것으로 변환시킨 작가의 작업은 매우 정교하고 섬세하며 긴장감으로 가득하다. 이 특유의 형식과 표현의 변용은 작가의 작업에 대한 진지함과 집요함으로부터 스스로 체득하고 해체해 만드는 인식의 전환에서 비롯된다.

Zwischen Wahrnehmung (Perzeption) und Kognition liegen 160 Millisekunden

Eunu Lee

Perzeption und Kognition sind seit langem ein zentrales Thema in Debatten und Forschung. Aude Oliva und Radoslaw Martin Cichy führten 2016 eine MEG-Gehirnwellenuntersuchung mit 16 Teilnehmern durch, um den Fluss der visuellen “Perzeption” von Objekten und die darauf folgende “Kognition” und Klassifizierung der Hirnaktivität zu beobachten. Sie stellten fest, dass diese beiden Aktivitäten in erstaunlich kurzer Zeit, nämlich innerhalb von 160 Millisekunden, stattfanden. Dies deutete darauf hin, dass Wahrnehmung und Kognition mitunter so schnell abliefen, dass es schwer war, sie voneinander zu trennen. Mit anderen Worten, es könnte argumentiert werden, dass “Wahrnehmung Kognition ist” oder “Kognition ist gleichbedeutend mit Wahrnehmung”. Dennoch gibt es immer noch vielfältige Meinungen darüber, wie die Kognition die Wahrnehmung beeinflusst. Während viele Forscher behaupten, dass die Kognition einen Einfluss auf die Wahrnehmung hat, argumentiert Brian Scholl, Professor für Psychologie an der Yale University und Mitglied der APS, paradoxerweise, dass die visuelle Wahrnehmung tatsächlich einen viel größeren Einfluss hat, als die meisten Forscher glauben. Er stellt die Definition von niedriger Ebene der Wahrnehmung und Kognition in Frage und führt eine Debatte über die Geschwindigkeit der menschlichen Wahrnehmung und Kognition. Mit anderen Worten, er sieht es als überstürzt an, Wahrnehmung und Kognition zu definieren und Aktivitäten streng voneinander zu trennen, solange wir die Sinnesorgane und das Gehirn nicht ausreichend verstehen. Dennoch zeigt das experimentelle Ergebnis eindeutig, dass die Kognition in sehr kurzer Zeit, nämlich 160 Millisekunden, abläuft, und letztendlich hat der Beginn der Wahrnehmung einen erheblichen Einfluss auf das menschliche Denken.

Die Ausstellung von Naehoon Huh trägt den Titel ‘Verbundene Sinne: Einige wahrgenommene Bilder’. Das erwähnte ‘감각 (Sensation)’ wurde je nach Epoche und Ort in verschiedenen Disziplinen definiert. Das lateinische ‘sensus’ und ‘sentire’ sind mit der Fähigkeit verbunden, Objekte über Sinnesorgane wie Augen, Nase, Zunge, Ohren und Haut wahrzunehmen und zu empfinden.

Andererseits leitet sich ‘지각 (Perception)’ vom lateinischen ‘perceptio’ ab, wobei ‘per’ ‘durch’ bedeutet, also ‘vollständig, gründlich’ und ‘capere’ ‘etwas ergreifen’ oder ‘die Kontrolle übernehmen’ bedeutet. Wenn man die Bedeutungen dieser beiden Wörter kombiniert, ergibt sich die Bedeutung ‘etwas vollständig erfasst haben’. Mit anderen Worten, ‘지각 (Perception)’ kann als der Zustand verstanden werden, in dem das Ergebnis inbegriffen ist und man das Objekt vollständig erfasst hat.

Dennoch können Sinnesorgane unter bestimmten Bedingungen subjektive Objekte widersprüchlich wahrnehmen, wie beispielsweise im Zustand des Alkohol- oder Drogenrausches, aufgrund früherer Lernerfahrungen, Vorurteilen, sensorischen Wahrnehmungen durch technische Vorrichtungen und Umweltfaktoren. Im Jahr 1917 reichte Marcel Duchamp (1887-1968) das Werk ‘Fontäne (Fountain)’ ein, bei dem ein Alltagsgegenstand, nämlich ein umgedrehtes Urinal, auf einer Ausstellung der New Yorker Gesellschaft unabhängiger Künstler ausgestellt wurde. Vor diesem Werk mussten die Betrachter ihre bestehenden Vorurteile und vorausgegangenen Lernerfahrungen verwerfen und das Objekt mit der Form eines Urinals, das vor ihnen in der Umgebung einer Ausstellungshalle stand, auf neue Weise wahrnehmen. Die Sinnesorgane funktionierten ordnungsgemäß, und ein neuer Wahrnehmungszustand begann. Obwohl es zu dieser Zeit viele negative Kritiken des Werkes gab, wurde die Ready-made-Methode, die mit ‘Fountain’ begann (Ready-made: Alltagsgegenstände in einem neuen Kontext betrachten), letztendlich als ein neues Genre in der Kunst anerkannt. Seit Marcel Duchamps Herausforderung haben sich künstlerische Fortschritte und die Vielfalt der zeitgenössischen Kunst in den letzten 100 Jahren fortgesetzt. Es ist offensichtlich, dass die Künstlerin Naehoon Huh mit dieser Kunstbewegung interagiert und ihre Werke weiterentwickelt hat, inspiriert von preisgekrönten zeitgenössischen Künstlern wie Mona Hatoum (1952-) mit ihrem Werk ‘corps étranger’, und Künstlern wie Roman Siegner (1938-), die einzigartige Arbeitsmethoden, Performances und Objekte als Medium in ihrer Kunst verwenden. Diese Künstler haben in den letzten 50 Jahren intensiv in der zeitgenössischen Kunstszene gearbeitet. Dies zeigt, dass die Künstlerin Huh in der Tradition der zeitgenössischen Kunst steht, aufbauend auf ihrem Wissen und den Einflüssen, um ästhetische Experimente und Herausforderungen fortzusetzen.

지각(perception)과 인식(cognition) 사이의 160 밀리초(millisecond)

이은우

지각(perception)과 인식(cognition)은 오랫동안 논쟁과 연구의 주요 주제였다. 오드 올리바 (Aude Oliva)(1) 와 라도스라우 마틴 시치 (Radoslaw Martin Cichy)(2)는 2016년 참가자 16인의 MEG-자기뇌파검사를 진행했고, 물체의 시각적 ‘지각’ 과정과 그것을 ‘인식’하며 분류하는 뇌 활동의 흐름을 관찰했다. 그리고 이 두 활동이 놀라운 속도인 ‘160 밀리초(천분의 1초)’ 내에 일어났음을 발견했다. 이 결과로 미루어 볼 때, 지각과 뇌의 인식이 거의 구분하기 어려울 정도의 속도로 일어남을 지적한 것이다. 즉, “지각이 인식”이라든가 “인식이 곧 지각”이라는 주장이 나올 수 있을 정도였다. 그럼에도 불구하고 “인식이 지각에 어떤 영향을 미치는가?”라는 질문에 대한 의견은 여전히 다양하다. 여러 연구자들이 인식이 지각에 영향을 준다고 주장하고 있지만, 예일대학교 심리학 교수이자 APS 연구원인 브라이언 숄(Brian Scholl)은 오히려 시각적 지각이 실제로 대부분 연구자가 믿는 것보다 큰 영향이 있다고 주장한다. 그는 낮은 수준의 지각과 인식을 정의하는 것이 인간의 지각과 인식 속도의 차이에 대하여 논쟁을 일으킨다고 말했다. 다시 말해, 우리가 아직 감각기관과 뇌에 대해 충분히 이해하지 못한 상태에서 지각과 인식을 정의하고, 활동을 엄밀하게 구별하려고 하는 것은 조급한 판단이라고 보는 것이다. 그러나 실험 결과로 명백하게 알 수 있는 것은 인식이 160 밀리초라는 속도로 진행되며, 결국 시작이 되는 감각이 인간의 사고에 매우 큰 영향을 미친다는 것이다.

출처: Association for Psychological Science “Congnition and Perception: Is There Really a Distibction Alexandra Michel Jan. 20, 2020 1) MIT 컴퓨터 과학 및 인공 지능 연구소의 컴퓨터 비전, 신경 과학 및 인간-컴퓨터 상호 작용 분야의 선임 연구 과학자 APS 펠로우 2) 베를린 자유대학교 Dimitrios Pantazis 메사추세츠 연구소

허내훈의 전시 제목은 “연결된 감각: 지각된 일부의 이미지”이다. 언급된 ‘감각_sensation’은 시대와 장소에 따라, 고대부터 현재까지 여러 학문에서 정의되어 왔다. 고대 라틴어 ‘sensus’와 ‘sentire’ 는 눈, 코, 혀, 귀, 피부 등의 감각기관을 통해 사물을 감지하고 느끼는 능력과 관련이 있다고 정의한다.
반면 ‘지각_perception’은 라틴어 ‘perceptio’에서 유래되었으며, ‘per’는 ‘through’ 즉, ‘빈틈없이, 완전히, 철저하게’를 의미하며, ‘capere’는 ‘가지다’, ‘주도권을 잡다’와 같은 의미를 지닌다. 두 단어의 뜻을 합성해 보면, ‘빈틈없이 가지다’나 ‘완전히 주도권을 잡다’라는 의미이다. 즉, 결과가 포함된 상태로 ”대상을 파악했다.“ 로 볼 수 있다.

하지만 감각기관이 주관적인 대상을 여러 조건에 따라 모순적으로 느낄 수도 있다. 예를 들어, 알코올이나 환각제를 체험한 상태, 대상에 대한 선행학습, 선입견, 기술 장치를 통한 감각 그리고 환경적 요인 등이다. 1917년 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp, 1887-1968)은 일상의 소변기를 뒤집어 놓은 ‘샘 (Fountain)’이라는 작품을 뉴욕 독립 예술가 협회(Society of Independent Artists)의 전시회에 출품했다. 작품 앞에서 관객들은 기존의 선입견이나 선행된 학습을 부정해야 했고, 전시장이라는 환경적 요인 안에서 눈앞에 놓인 소변기의 형상을 가진 작품을 새롭게 지각해야 했다. 감각기관은 충실하게 기능을 수행했고, 새로운 지각 상태가 시작됬다. 비록 당시에는 작품에 대한 여러 부정적인 비평이 있었지만, 결국 샘에서 시작된 레디메이드(Ready-made: 일상적인 기성 용품을 새로운 측면에서 보게 하는 것) 방식이 새로운 예술의 장르로 인식되었다. 마르셀 뒤샹의 도전 이후로 지난 100년간의 예술적 진보와 현대미술의 다양성은 계속 반영되었다. 허내훈 작가가 이러한 예술의 흐름과 상호작용하며 작품을 발전시켜 왔다는 것은, 그가 현대미술 작가들 중에서 터너상 수상자 ‘모나 하툼 (Mona Hatoum, 1952-)의 작품 이질적인 몸 (corps étranger), ‘로만 시그너 (Roman Siegner, 1938~)’와 같은 작가들의 작품에 영감을 받았다는 점에서 알 수 있다. 이 작가들은 독특한 작업 방식, 퍼포먼스, 오브제를 매체로 사용하는 작업을 선보이며 근 50년간 현대미술 작가로서 왕성하게 활동하고 있다. 이는 작가가 기존 예술 흐름의 선상에 위치하여, 그 배움과 영향을 토대로 미학적 실험과 도전을 이어나가고 있다는 뜻이다.